Há uma história que gosto de contar sobre uma viagem de colégio que fiz à Broadway, repassando todos os sucessos dos quais nunca tinha ouvido falar, muito menos visto. Mas o destaque foi definitivamente Malvado: o show-stop, vencedor do Tony Mágico de Oz reinvenção que deixou ainda mais abastados musicalmente entre nós, tontos de excitação.
Então quando chegamos ao momento mais espetacular de todos – a bruxa malvada Elphaba levantando-se do palco enquanto cantava a faixa principal, Desafiando a Gravidadeencerrando simultaneamente o pré-Mágico de Oz história de fundo que a tornou perversa e comunicou ao público sua autoaceitação catártica pouco antes de as cortinas se fecharem – fiquei chocado.
Tão chocado que me levantei, saí e esperei do lado de fora. E esperei. Até 10 minutos depois, quando colegas vieram me procurar e me informar que, de fato, não havia acabado. Esse foi apenas o intervalo.
Apesar de ouvir todas as músicas das quais qualquer fã casual pode estar vagamente ciente – e apesar de ver o momento mais tecnicamente impressionante e digno de final na história do palco moderno – ainda houve de alguma forma uma hora inteira de Malvado ir.
Esse é um obstáculo que a adaptação de Jon M. Chu agora também tem que enfrentar: um problema endêmico ao musical desde sua adaptação do severo livro político de Gregory Maguire para o espetáculo da Broadway seriamente carregado de Winnie Holzman. Não apenas todos os sucessos residem na primeira metade, mas também quase todas as partes realmente atraentes da história.
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Em Malvado: Parte 1, que chegou às telas no ano passado, resultando na oferta das estrelas Cynthia Erivo e Ariana Grande de um primeiro tempo substancial e focado, introduzindo e resolvendo em grande parte seus temas de bondade inata, autodeterminação e resistência ao fascismo.
Mas isso recomeça em Malvado: para sempre com uma narrativa que funciona mais como fan fiction do que como uma história interessante e independente.
Isso não quer dizer que a tão esperada sequência da primeira apresentação indicada ao Oscar de 2024 seja uma decepção. Pelo menos não um abjeto. É mais ou menos competente, impulsionado por um canto inegavelmente incrível e emoldurado por uma cenografia encantadoramente fantástica.
De volta à ação
Chegando não muito depois do mencionado momento de parar o show, já estamos bem na história de Elphaba (Erivo) quando Para sempre atende.
Ela já está alienada do exclusivo internato Ozian, onde esperava ser aceita. Ela já enfrentou a situação difícil dos direitos civis de animais falantes forçados a deixar suas posições na sociedade pelo inconstante e misterioso Mágico de Oz (Jeff Goldblum).
Ela já lutou e depois encontrou amizade com a estúpida “bruxa boa” Glinda (Grande). Ela já escolheu lutar contra o trapaceiro e vigarista Wizard, a fim de corrigir os erros que o líder do regime ditatorial está sub-repticiamente instigando em todo o país.
E o mais importante, o tema central da história foi estabelecido e consolidado: que a década de 1939 O Mágico de Oz o suposto vilão era na verdade um mártir incompreendido, disposto a aceitar o ódio para salvar o mundo sem gratidão.
Compreensivelmente herdadas da primeira parcela estão as performances. Erivo mais uma vez mostra seu incrível talento vocal – talvez o melhor de qualquer artista em um filme musical moderno. Você pode praticamente sentir cada corrida aproximando-a cada vez mais do Oscar que seria veja-a alcançar o merecido status de EGOT ganhadora de Emmy, Grammy, Oscar e Tony.
E Grande exibe talvez a atuação mais fascinante de qualquer ator que assuma o papel de Glinda. Precisando simultaneamente equilibrar o semblante inconstante e cabeça-dura de sua personagem e ao mesmo tempo cantar letras emocionalmente conflituosas, tecnicamente proficientes e genuinamente engraçadas, sua tarefa já quase impossível só ficou mais difícil – e, portanto, mais impressionante – desta vez.
Se você precisar de provas, basta ver como Michelle Yeoh se esforça para fazer o mesmo com sua Madame Morrible, de alguma forma desinteressantemente exagerada. É um desempenho monótono e estranho, talvez apenas rivalizado pelos estranhos animais CGI que datam instantaneamente a produção sempre que eles levantam suas cabeças irrealisticamente realistas e enigmáticas.
Eles são realmente os sintomas de onde Malvado: para sempre falha em melhorar o material de origem que já faz poucos favores.
Para ser justo, um filme musical nunca oferecerá a mesma suspensão de descrença ou sentimentos desculpáveis e magicamente grandiosos que uma peça de teatro está naturalmente imbuída. A imaginação necessária para fazer com que os efeitos, figurinos e cenário pessoal comparativamente escassos de uma produção teatral se juntem em sua mente como um mundo real e vivo crível é um exercício mental tão eficaz que literalmente deu origem ao conceito de “quarta parede”.
Em contraste, não importa quão fantástica seja a história, a lente de uma câmera sempre fará mais para destacar o real – e, portanto (como o infelizmente obcecado pelo realismo Caro Evan Hansen) trabalham para enfatizar o que pode ter sido desculpavelmente ridículo no meio original de um musical. Mas ainda assim, existem outros benefícios.
Esse ponto também não é tão difícil de provar. No vencedor de melhor filme Oliver!a câmera se torna parte dos números musicais de uma forma que muda fundamentalmente o que há de interessante nesses números. Apesar de acontecer em um sótão restritivo e sujo, os ângulos holandeses e as mudanças de ângulo intencionalmente chocantes durante Eu faria qualquer coisa transforme uma cena de dança estática em uma experiência enérgica e inesquecível.
Em O som da músicavistas amplas e cortes cênicos permitem Do Re Mi para enraizar inextricavelmente a história em seu cenário austríaco ao mesmo tempo em que enfatiza a inocência lúdica da infância – sem mencionar que permite a intrincada sequência de marionetes de Pastor solitário acontecer.
Até Graxa faz seu público tropeçar no Shake Shack ao lado de Danny e Sandy em Você é aquele que eu quero – isso antes do carro decolar para o céu.
Falta de novidade
Mas ainda mais do que a primeira parcela, Malvado: para sempre evita cenários, grandes coreografias ou números expansivos quase inteiramente. Em vez disso, Chu parece obcecado em isolar seus artistas em cenários CGI estranhos, em vez de usá-los para explorar e interagir com o mundo que ele criou – ou dar close-ups estendidos e irritantes para ação ao vivo. Rei Leão-quadrúpedes falantes.
Na verdade, em todo o filme, provavelmente há apenas uma cena que poderia ser generosamente caracterizada como um número coreografado. E termina abruptamente para dar a Bowen Yang a oportunidade de fazer uma piada sobre seus folículos.
Isso se soma às falhas embutidas Malvadodesde o início: um enredo pós-intervalo que essencialmente atua como um epílogo para si mesmo. Enquanto a parte anterior se concentra muito mais em um conto original e baseado em personagens, a segunda metade está muito mais preocupada com suas ligações ocasionalmente exageradas e meio críveis com o texto original.
E por mais divertido que seja saber exatamente por que o Leão Covarde era tão covarde ou por que alguém se importava com aqueles chinelos, pular do leste para o oeste de Oz para conectar todos os pontos atrapalha mais uma história do que ajuda. Isso se torna ainda mais óbvio porque o filme não é simplesmente separado por um intervalo de 20 minutos, mas por um intervalo de um ano para um filme totalmente separado.
E também está no topo de um tom decididamente mais juvenil para o público do cinema. Embora atender a um público mais jovem – o que nunca é uma coisa totalmente ruim – sirva a um propósito adicional aqui. Embora raramente seja uma má ideia ensinar as crianças a questionar a autoridade, a desconfiar da propaganda e a ter compaixão pelos oprimidos, Malvado: para sempre ensinar essas lições à Geração Alfa agora parece decididamente bem-vindo.
Mas dado o fato de que essas lições já vieram no primeiro semestre – junto com todas as melhores músicas – ainda é difícil garantir que voltemos ao teatro para ver mais.
